До 30 июня 2017 года в Государственном Русском музее, на территории Мраморного дворца, проходит выставка «Структуры». Несмотря на кажущуюся простоту, название выставки затрагивает довольно сложную проблему взаимоотношений искусства и дизайна временного периода contemporary art.

В настоящее время наиболее активно искусство развивается в направлении ассоциативности, возникающей на пути выражения идеи через форму. Важно отметить и то, что искусство, концентрирующее внимание исключительно на «чистой форме», приравнивается к дизайну, и уже не входит в сферу актуального.
В рассматриваемом периоде времени – с 1960-х гг. до настоящего времени – отношение к дизайну менялось от положительно-активного до столь же активно-негативного и, видимо, постепенно трансформируется восприятие самого термина.
Экспозиция выставки хоть и неоднозначна для классического музея, но она органично вписана в пространство залов дворца XVIII столетия, не составляя диссонансных контрастов с интерьерами, грамотно выстроена, и сама по себе являет прекрасный образец «структуры как системы, состоящей из совокупности отношений между элементами, обеспечивающих ее целостность».
Следует подчеркнуть и то, что все представленные экспонаты относятся именно к категории «произведения искусства», и к дизайнерским проектам не имеют отношения. Граница между сферами «искусства» и «дизайна» очень тонкая, иногда едва ощутимая, но, тем не менее, она существует, и, говоря о произведениях, имеющих художественную ценность, особенно в контексте музейных коллекций, стоит четко разграничивать эти два понятия.
Выставка заставляет не только с интересом рассматривать собрание, но и размышлять, выстраивать собственные структурные связи в понимании искусства «нового формализма», а кроме того, включать ассоциативное мышление, позволяющее на интуитивном уровне формировать согласованные контексты.

В. Лукин «Радужный лес»

Уже при входе на выставку «Тессеракт (куб в 4-м измерении)» Кирилла Александрова и инсталляция «Радужный лес» Виктора Лукина настраивают зрителя на чуть отвлеченное восприятие и подключают игровой момент, ориентированный на настройку зрительского внимания к цвету, форме и общему взаимодействию объекта с посетителем.

В. Ключников. «Путешествие»

Тема ассоциативности проходит красной нитью, и раскрывается в произведениях художников абсолютно по-разному. Так, представленные работы Владимира Ключникова «Путешествие» иллюстрируют движение из 1999 в 2001 год. Картины серийные, говорят они об одном и том же, но немного по-разному: прошло время, что-то изменилось, но орнаментальные составляющие перекликаются, цветовая гамма созвучна, но появились новые элементы. Действительно, это и есть путешествие во времени, которое подразумевает некую трансформацию.

Работы Глеба Гавриленкова, художника-исследователя, ориентирующегося в своем творчестве на работу с цветом и изучение психологических и физических аспектов его воздействия, а также механизмов восприятия цвета и формы, представляют собой своеобразные живописные структуры. Эти работы относятся к абстрактной живописи, но надо отметить, что здесь включается активное сочетание научного и творческого подхода: нет смысла, нет объекта, но есть внутренние сцепления, процессы и художественная трактовка, отражающая механизм формирования реальности в динамической статике представленных объектов («Структура мысли» из серии «Природа восприятия», «Развертывание темы»).

Конечно, истоки структурализма в изобразительном искусстве лежат в традициях авангарда, где активно разрабатывались взаимоотношения плоскостей, формировались геометрические реберные объемы и не только, и современные авторы, принимающие участие в выставке, играют с формами и материалами, используют смешанные техники для более яркого отражения явлений современности.

Большое внимание в экспозиции уделено урбанистическим структурам, авторы которых акцентируют внимание на представлении и осмыслении современного города. Архитектурные решения фасадов в спальных районах больших городов построены на довольно однообразных монотонных ритмах. Однако и в этом случае, художники находят возможность создать своеобразную структурную игру. Но если в некоторых произведениях Виктора Стасюноса ритмика продиктована, скорее всего бытовыми факторами (трещины в швах панельных домов), то у Александра Дашевского игра более динамична. Обращаясь к современной архитектуре петербургских окраин, автор, заострив внимание на четко выраженной ритмической структуре, подчеркнул ее, используя графические приемы в сочетании с живописными техниками.  Более того, А. Дашевский позволяет себе играть с формой холста, отходя от стандартных форматов – дробность, использование холстов неправильной формы, которые допускают вариативность конечного произведения, достигаемого путем перемещения отдельных элементов при каждом монтаже. И, таким образом, на первый взгляд статичное произведение превращается в динамичный коллаж, объединенный идеей, но включающий в себя множественные допуски. Частично это можно наблюдать в работах «Общежитие», а также «Ящики».

Значительное место в экспозиции отведено конструктам Игоря Шелковского, представленные архитектурными и антропоморфными объектами. Рассматривая человеческие фигуры, выполненные из металлических конструкций, невольно возникает ассоциация с работами современного британского художника Энтони Гормли и его проекта «Во весь рост. Античная и современная скульптура», который прошел несколько лет назад в Эрмитаже. Пластические решения скульптурной антропологии оказываются ассоциативно схожими: но если Гормли представлял человеческие фигуры, словно «распадающимися на пиксели», то И. Шелковский рассматривает их как угловатые супрематические образы, подчеркивая то, что «все-таки человек всегда остается центром сакрального пространства, соединяя внешнее и внутреннее. Кроме того, в работах именно этого художника отчетливо проявляется еще одна структура духовного измерения: Бытие–Сознание–Дух, где сама конструкция объекта предполагает «лестницу в Универсальное» — как отмечала Розалинд Краусс. Фигуры, на первый взгляд кажущиеся почти забавными, имеют свой метафизический подтекст, опирающийся на представленную форму.

Говоря о структурах, нельзя обойти вниманием работы Вячеслава Колейчука. Художник, интересующийся пластичными формами, создает произведения, которые, не только интересны сами по себе, но и в пространстве зала создают игру теней отраженных форм, меняющуюся в зависимости от освещения («Мебиусы», «Спирали», «Лабиринты» и др.).
В экспозиции также представлены и динамические «структуры» этого автора, создаваемые иллюзорно за счет отражения от гравированной определенным образом, освещенной металлической поверхности. Это тоже конструкты, обусловленные оптическим эффектом в реальности, и своим появлением они провоцируют своеобразную игру зрителя с виртуальным объектом в пространстве. Кроме того, художник предлагает и вполне реальную игру с самонапряженными конструкциями, которые могут трансформироваться в зависимости от точки приложения импульсов.

Безусловно, размышляя о структурах, художники в своем творчестве затрагивают и Космос, как процесс упорядочивания системы хаотической Вселенной. Особо ярко это проявилось в работах Кирилла Александрова «Разрушение сферы» и Франсиско Инфанте-Арана, посвященных динамическим спиралям.  Удивительно глубокие по смыслу работы Ф. Инфанте максимально лаконично отражают суть формирования мира – все выходит из точки, и все вновь сворачивается в точку («Точка в своем пространстве», 1964 г). Своеобразные «визуальные метафоры бесконечности». Об этом же говорит и работа «Спираль дискретных элементов».

Ну, и, конечно, апофеозом выставки стала динамическая инсталляция Сергея Катрана «Кристаллы времени».
В феврале 2012 года нобелевским лауреатом, физиком Франком Вилчеком было разработано доказательство существования «кристаллов времени» — физических структур, которые движутся по одной и той же схеме, как минута в часах, не затрачивая энергию и никогда не останавливаясь. В отличие от часов и любых других известных нам объектов, кристаллы времени получают энергию для движения из разлома в симметрии времени, который представляет собой особую форму вечного движения[i].
Сергей Катран оформил это предположение в формате инсталляции — под своеобразную музыку в 36 прозрачных аквариумах завораживающе «танцуют» песочные часы, заполненные солью. Они перемещаются, сталкиваются друг с другом, переворачиваются, и продолжают движение, являясь символом течения времени.
Выставка, бесспорно, очень многогранна, чем можно рассказать в формате рецензии, и, конечно, понятие «структуры» гораздо более многозначно. Но рассматривая представленные композиции невозможно не отдавать себе отчет в том, что художники, создавая эти произведения, ставили перед собой формальные задачи, и путем творческой транскрипции через символические образы предложили свои решения зрителям.

_________________________________________________________

   [i] Сайт «Новости высоких технологий». И. Хиль, «Кристаллы времени» могут перевернуть теоретическую физику. 6 Мая 2013. https://hi-news.ru/research-development/kristally-vremeni-mogut-perevernut-teoreticheskuyu-fiziku.html

20 июня 2017

 А. Белицкая