«Метаморфозы». О выставке мастеров проекта «Современное наследие России»

“Искренность — одно из главных

условий искусства”

(Н.П. Огарев)

Метаморфозы

В начале июня, в рамках культурной программы Петербургского экономического форума в Галерее Елены Цветковой проходила выставка мастеров — участников международного проекта “Современное наследие России”, целью которого является сохранение, возрождение, умножение и продвижение российской культуры и искусства, в особенности декоративно-прикладного направления. ДПИ всегда отражало истинную глубокую суть человека, давало представление о характере и мастерстве народа, и по сей день оно остается базовой основой, источником нашего национального и духовного развития. Поэтому особенно важным в наши дни становится сохранение культурного наследия, преемственности и продолжения традиций.

Имена современных российских художников должны быть узнаваемыми во всем мире, и одной из целей проекта его организаторы ставят формирование среды для развития творческого потенциала грядущего поколения. И прошедшая выставка — крупное мероприятие в рамках поставленных задач, продемонстрировала большое разнообразие произведений, выполненных в различных техниках, из многих художественных областей: здесь присутствовали авторские картины из фарфора и уникальные ювелирные украшения, текстиль, камнерезные изделия, картины из дерева, бивней мамонта и перламутра, выполненные в старинной японской технике сибаяма, предметы эмальерного искусства, скульптуры  из бронзы и из дымчатого кварца, созданные в новом направлении – светопластике.

Заголовком к выставке можно поставить одно единственное слово — “метаморфозы”. Многое из представленного удивляет сложностью исполнения, своей изменчивостью в зависимости от угла зрения или освещения, что-то даже может оказаться не тем, чем кажется на первый взгляд.

Н. Кутнова. Тарелка декоративная

Таковы, например, росписи по фарфору Натальи Кутновой. В своих работах она сочетает подглазурную и надглазурную техники, выстраивая разнообразные мотивы. Художник работает как в классических для фарфора формах — сервизы, тарелки, вазы, так и в совершенно неожиданных — таких как портреты и декоративные панно, которые значительно отличаются от традиционных, в нашем понимании, фарфоровых изделий. Обращаясь к самым разным жанрам: натюрморт, портрет, городской пейзаж, жанровые сценки, библейские сюжеты, Наталья не просто расписывает фарфор, она прибегает к объемному декорированию и лепке некоторых элементов, создавая эффект драгоценных камней или вышивки, который можно встретить в ее работах из серии “исторический портрет”. Здесь автор детально изучает, прорабатывает и преподносит зрителю историческую эпоху в совершенно новом визуальном формате. Первоначально зритель видит живописный портрет, а подходя ближе замечает, что он имеет несвойственный краскам блеск, слишком тонкий кракелюр в некоторых местах и, самое удивительное, объемный жемчуг и камни. Н. Кутнова любит работать с фактурой: какие-то особо объемные детали она лепит отдельно, что-то процарапывает иголочкой, а кое-что материал делает сам. Таков эффект упомянутого выше кракелюра, появляющийся после обжига: он очень тонкий, едва уловимый, как паутинка, но придающий этим историческим портретам некий “возраст”.

Н. Кутнова. Серия «Исторический костюм». Фаянс, смешанная техника, люстровые краски, золото

Игра фактур в произведениях Натальи Кутновой совершенно разная, в зависимости от работ, но всегда обоснованно использованная в контексте художественного образа. Вот и панно со стрекозами создано неожиданным способом, что производит обманчивое впечатление — кажется, что фигурка стрекозы лежит на деревянной основе и декорирована драгоценными камнями с позолотой. Однако эффект дерева здесь достигнут путем стирания глазури, а каждый “драгоценный” камешек слеплен вручную и покрашен краской, как и легкая золотая сеточка на самой стрекозе — она так же вылеплена и процарапана в фарфоре, а позолочена уже сверху.

Но самое удивительное на выставке — иконы. Это — “вышивка фарфором по фарфору”: каждая жемчужинка, каждый драгоценный камень, каждое кружево и ниточки вылеплены из фарфоровой массы вручную и покрашены отдельно.

Н. Кутнова. Икона Казанской Божьей Матери

Художник складывает из них хрупкую картину, словно вышитую жемчугом — стежок за стежком. Идея создания таких панно у Натальи появилась в одной из поездок в фарфоровую мастерскую при монастыре, где она увидела иконы, совершенно поразившие ее, и тогда пришла идея воплотить их в той технике, которой она владеет лучше всего. А для создания правильных и каноничных образов Н. Кутнова прошла обучение в иконописной мастерской, где и получила благословение для создания ликов.

Интересен сам авторский подход к созданию и обдумыванию образа: каждая работа имеет историю, индивидуально придуманную ее героям, тем самым они наделяются самостоятельной энергетикой, смыслами и собственной жизнью.

Выполненные с искренней любовью к материалу и бесконечным потенциалом творческих идей, произведения Натальи Кутновой не оставляют равнодушными, автор транслирует через них доброту и многогранность окружающего мира, и несет посыл — приглядываться к деталям, без которых никогда не воспринять картину целиком.

“Камни, в которых живут ангелы” — этими словами должно начинать говорить о другом мастере метаморфоз  — огранщике Дмитрии Саморукове, который возвел данный вид некогда ремесленной деятельности в ранг самостоятельного искусства, поскольку до него такого статуса у технологии огранки не существовало.

Художественной обработкой драгоценных камней мастер занялся сразу по окончании Московского станкостроительного института, когда увидел ограненные изделия одного из преподавателей, и в тот же момент, по его словам, влюбился. С тех пор для него огранка — это язык на котором он разговаривает. Как говорит Дмитрий Саморуков: “на языке можно ругаться матом, а можно писать стихи”. И он выбирает “писать стихи” своим мастерством и вдохновенным отношением к делу, которым занят. А техническое образование, в свою очередь, дало большое преимущество в работе — возможность разрабатывать станки под себя и свою уникальную методику.

Обработка ювелирных вставок для Дмитрия — не просто профессия или механическая техника исполнения, он нашел способ в каждый ограняемый камень вложить символ, художественный образ и целую историю.

Как утверждает мастер, выбор материала и содержания, которые он закладывает в свои произведения  приходят ему из словно из космоса, он просто знает, что надо делать именно так. Иногда образы “надиктовывает” сам камень, говорит, как его гранить:  словно Микеланжело, который высвобождал из мрамора свои скульптуры, так же Д. Саморуков высвобождает формы из драгоценных камней.

Каким образом автор закладывает смыслы в свои ограненные камни? Об этом может рассказать работа, созданная для выставки в честь пятидесятилетия Алмазного фонда России. Композиция “50 лет Алмазному фонду” собрана из пяти природных камней, где в основном бесцветном топазе располагаются четыре ограненные вставки из граната, голубого топаза, бесцветного топаза и гелиодора. Желтый цвет гелиодора символизирует золотой запас России, а бриллиантовая огранка — ее алмазы. Общее число граней на всех вставках в сумме оказывается более шестисот пятидесяти. И многогранность произведений художника является метафорой многогранности творческой энергии автора.

Рассматривать произведения Д. Саморукова всегда нужно с нескольких сторон, в каждой из которых заложена своя символика. Нижняя часть камня «50 лет Алмазному фонду» олицетворяет собой время СССР, символом эпохи которого является пятиконечная звезда в огранном рисунке. Из каждого луча звезды выходят грани, складывающиеся в схематический рисунок бриллианта: магическая игра чисел и граней дает цифру двенадцать – как двенадцать  месяцев, которые составляют год. Через двадцать очередных граней, символизирующих двадцать лет, прошедших после первого юбилея, мы попадаем в совершенно другую страну — Россию, и здесь, переходя уже на верхнюю часть камня, наша страна после 1991 года:  в камне появляются цвета Российского флага, а каждый из пяти бриллиантов распускается короной из десяти лучей — один год становится десятилетием, пять корон символизируют пятьдесят лет существования выставки Алмазного фонда.

Выбор материала не обуславливается какой-либо особой символикой или значением. “Когда есть идея, то не важно в чем ее воплощать, — говорит автор, —  важна сама реализация, и не имеет значения — будет ли это искусственный камень или природный”.

Особую духовную ценность среди работ мастера представляет коллекция огранок “Путь Спасителя”. Каждый из восьми бриллиантов представляет в своих гранях важные вехи в истории Христа, начиная от Рождества, заканчивая Вознесением и Схождением Святого Духа на Апостолов. Свою символику Дмитрий Саморуков зашифровывал в количестве граней и секторов, учитывая, смотрим ли мы на камень снизу или сверху.

Кстати, в процессе работы всегда есть некоторая внезапность: сам художник не всегда знает, что получится в итоге, поскольку просчитать все процессы переотражения внутри ювелирного камня невозможно, и порой сам материал являет какие-то образы зрителю. Как например, в “павильоне” камня “Преображение” образовался удивительный цветок, состоящий, как из самих граней, так и из отражений; в “Распятии” — появился крест; а в “Рождестве” — фигурки ангелов!

В мире драгоценных камней Д. Саморуков находит реминисценции мира земного, природного: он словно смотрит на окружающее через множество плоскостей, создающих глубину — ведь все его фианиты, жемчуга и не только играют гранями числом от 200 до 600. Именно такие эффекты возникают в “Капле дождя”.

“В тёплый летний вечер, когда всё живое изнывало от жары, и даже птицы, казалось, замерли в ожидании свежести, одновременно с красным закатом пришёл дождь. Его крупные капли барабанили по распахнутому окну, у которого стоял Мастер и с восхищением смотрел на долгожданный ливень. Мастер видел то, что многие бы, возможно, и не заметили. Он, казалось, вдыхал в себя всю силу природы, её красоту и мощь.” — рассказывает сам автор о вдохновляющих его проявлениях. В тот вечер родилась идея содания этой работы, в ней автор показал летящую к земле каплю дождя, которую пронзает луч заходящего солнца и отражает в ней множество других летящих капель на фоне синего вечернего неба.  И внимательное вглядывание в эту работу почти погружает зрителя в тот самый летний закат.

Дмитрий Саморуков учит зрителя смотреть на мир не через призму повседневной гонки, а через кристалл своей души. Используя технологию огранки в качестве средства для творческой реализации, путем хитросплетения граней в отдельные символы — он рисует целуые картины каких-либо событий, подобно тому, как живописные полотна складываются из отдельных мазков.

“Самое сложное в искусстве — остаться собой. Смотреть в свой внутренний мир и говорить искусством,” — так мыслит Д. Саморуков о мастерстве, творчестве и жизни. Его уникальные глубокие произведения подтверждают мощную самобытность автора, а зрителя на выставке заставляют остановиться и замереть, вглядываясь в глубокие миры его камней.  

Сюрреалистичная пластика была представлена в экспозиции работами Сергея Кондрашкина. Его произведения необходимо рассматривать со всех сторон, поскольку художник пользуется трехмерными возможностями скульптуры, и, по мере движения вокруг нее, формы преобразуются и являют нам с каждого нового угла зрения — новый образ.

С. Кондрашкин. «Химера». Бронза, 22:24:12 см

В творчестве этого мастера проявляются метаморфозы во многих смыслах — в образах, в ракурсах, в материалах.  Материал, как и сюжет, и форма, для С. Кондрашкина является одним из проводников смысла. Отдавая предпочтение бронзе, он совмещает её с камнем и гранитом, дамасской сталью и железом, в некоторых работах даже с экзотическими раковинами аммонитов. Он стремится преодолеть несовершенство природных материй, заставляя неподатливую ткань металла таять, изгибаться и перетекать будто воск; он, словно Сальвадор Дали, преобразует привычные нам фактуры и свойства предметов. Бронза и камень замыкают пространство в причудливых композициях, невесомые силуэты парят в воздухе с динамикой и лёгкостью, поразительной для этих материалов. Скульптуры, рожденные из металла, отличаются изящностью конструкции, а тонкая игра объемов и линий придают ей энергичную пластику. Силуэты, созданные композиционным решением “Химеры”, представляют собой изысканное взаимодействие объемов, демонстрирующие мягкость при столь твердом материале. Ее образ — словно страж, желающий отпугнуть, но стоит только приблизиться, уловить движение и прочувствовать его, он смягчается и становится женственным.

С. Кондрашкин. «Осирис». Кованое железо, 50:80:55 см

Скульптура Сергея Кондрашкина живет в свободной и эфирной среде — она не привязана к каким-то интерьерным или архитектурным аспектам, являясь самодостаточной и индивидуальной. Подчеркнутая асимметрия в его произведениях заставляет зрителя обойти ее вокруг, проследить мистические преображения образов, почувствовать себя на каком-нибудь древнем обряде. И вот “Осирис” погружает зрителя в мировосприятие древних людей, живших рядом с богами, позволяет ощутить трепет и магическую силу воздействия божественного. Это именно то живое, что художнику удается передать в своих творениях — древнюю мифологию и эзотерическую эстетику. В его ирреальных мирах царит гармония и ощущается всеобщая взаимосвязь явлений.

Опыт уединения и первобытной простоты, который воспроизводит скульптор в своей пластике, приходит к нему в горах. Увлечение серьезным высотным альпинизмом дает возможность вступить в незримую связь между миром земным и миром божественным. Профессиональный альпинизм закаляет человека физически, морально и духовно, обогащает внутренний мир, делая его многогранным, что в сочетании с художественным талантом рождает такие метафизические образы — метаморфозы в бронзе. Походы в горы приносят невиданные и колоссальные знания — об окружающем мире, о явлениях и людях, и  С. Кондрашкин в своих работах сводит весь этот свой опыт воедино в пластическую скульптурную форму, объединяя древние культуры, природу, человека и искусство.

Три художника, три совершенно разных подхода к работе и образу  мысли — как пример исключительности каждого мастера — участника проекта. Все авторы, чьи работы были представлены на выставке и в самом проекте,  являют зрителю уникальность индивидуальной техники, мышления и образов, заложенных в их произведениях. Каждый из них создает особенные миры, которые не позволяют пройтись по ним беглым взглядом, а заставляют вглядеться в особенности исполнения и вдуматься в смыслы, заложенные мастерами в их творениях.

 

К материалам автора П. Никитина ⇒

 

 

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *